巴洛克时期歌剧音乐的风格与特点

　　导读：公元16001750年的一百五十多年时间里，西欧出现了众多与以往相异的经典声乐作品，学术界将这一时期称作音乐发展的巴洛克时期。巴洛克时期的声乐发展发端于意大利的歌剧声乐艺术，其后影响到欧洲的英国、法国、德国等国家。巴洛克时期的声乐风格一是地域化和民族化特征明显，意大利风格与意大利语密切相关，法兰西风格融合了本民族的传统文化，英国风格更类似于人们的说话；二是装饰音演唱和即兴演唱的风格特点。巴洛克时期的艺术特征，突出体现在装饰音和即兴演唱两个方向。
　　01巴洛克时期及其音乐艺术
　　在西方音乐史上，学术界通常把公元1600年至1750年的一百五十年时间欧洲流行的音乐形态称作巴洛克时期。从1600年歌剧艺术在意大利诞生，至1750年左右巴赫、亨德尔去世这一时期为分水岭。巴洛克时期是后人为了研究，将这一时期的音乐风格归类总结而赋予的一种区分。巴洛克一词最早见于建筑和绘画艺术领域，如巴洛克绘画艺术、巴洛克建筑艺术等，其代表的是一种奢华、炫丽、色彩鲜明的特点。在欧洲，巴洛克的名声并不佳，长久以来，巴洛克被看作是一种荒诞的、做作的、过分装饰和过分雕琢的艺术形态，并且与古典主义艺术相对立，这种艺术不值得人们赞赏。著名思想家卢梭就认为巴洛克音乐是那种和声混乱、充斥着转调和非和谐的音乐；它的歌唱生硬、不太自然，发音困难、矫揉造作。很多人认为，文艺复兴时期的音乐、绘画、建筑等艺术都达到了历史的最高峰，巴洛克艺术形态并无超越之处。
　　到了20世纪，人们重新对巴洛克艺术进行审视，重新发现它在艺术领域的地位和所做的贡献。对巴洛克艺术形态的研究也逐渐增多，其价值也越来越被人们所认可。在学术界，西方音乐史上的巴洛克音乐通常被认为包括两种风格，即古典风格与现代风格。古典风格主要强调和声，认为和声才是最重要的，其注重复调创作，与尼德兰乐派相承袭。这一风格认为歌词不那么重要，音乐本身和复调运用更为优先。现代风格与人文主义相适应，与当时的意大利艺术风格相融合，这一风格强调歌词优先，注重歌词内容的表现，歌词才是音乐的主人，故在音乐技法的运用和处理上较为大胆奔放，跳跃性和优美的旋律较为常见。巴洛克音乐创作思想是在继承和发展文艺复兴时期音乐观念的基础上发展起来的，其人文主义本质依然如旧。其实，早在1605年，蒙特威尔在其《牧歌集》第五卷就提出了类似的风格解释。文艺复兴时期，音乐艺术强调音乐的情感表现，正如蒙特威尔强调的歌词才是音乐的主人那样，黑格尔也说过：只有用恰当的方式把音乐内容表现于声音及其复杂结合这种感情因素时，音乐才能把自己提升为真的艺术。闭巴洛克时期的音乐更巩固了这一理念。
　　文艺复兴时期的复调音乐呈现出较为平稳而不夸张的现实手法，讲究明晰、整齐和和谐，这种音乐风格逐渐被另一种更为新式的风格所取代。16世纪末，情感因素在音乐艺术中的分量不断增加，原有的整齐和谐表现形式逐渐退出历史舞台，情感的表达占据了更为重要的位置。要在音乐上表达出强烈的情感，就要探寻更为新式的风格，巴洛克时期的风格特点正好与之产生鲜明的对比。伴奏部分所呈现的通奏低音，可以说是巴洛克时期音乐风格最为明显的特点。通奏低音贯穿于音乐作品，作曲家创作作品处理如高声部与低声部两个基本线条，在低声部写出相应的数字符号，说明相应的和弦构成，演唱者通过这些讯息可以适当添加相应的内声部。使用通奏低音作为巴洛克音乐特点，其包括上部为人声结构或乐器的旋律声部，下部为乐器低音，中间部分补以和声。虽然在更早的16世纪就有作曲家将低音声部区别于复调声部，但是到了17世纪这种风格才逐渐稳定，成为巴洛克时期的典型特点。在音乐节奏上，巴洛克时期出现了新的规律，主要体现在两个方面：一是有规则的、有小节线、节奏有强弱的变化，音符也有了规则序列，演唱者可以较好地掌握作品的韵律与规律；二是节奏十分自由，常常运用在规则节奏前面形成某种比较，这一形式在巴洛克音乐中极为常见。
　　02巴洛克时期独唱音乐的演唱风格
　　在巴洛克时期的年间，西方音乐从风格到内涵都发生了深刻的转变：从繁复的复调音乐转向清晰的以旋律和声为主的主调音乐，歌剧、器乐等体裁蓬勃发展，取代了声乐体裁的绝对统治地位，音乐中占主导地位的宗教内涵也被大大削弱了，巴洛克时期的音乐表演风格有别于文艺复兴时期，其主要体现在情感的宣泄和表达。欧洲人文主义的兴起，让人们重新发现人的价值，重新认识自我，原来具有在宗教音乐才能出现的表达人的悲伤、愤怒，追求等情感表达受到冲击，所谓传统的、神学的、封建的、禁欲主义的牢笼被打破，情感的宣泄和表达逐渐走入世俗世界，同时也成为了各种艺术创作的主题，在音乐领域亦不例外。音乐的发展获得了自由的天空，作曲家摒弃那种内容空洞，词不达意的复调音乐创作风格，转向寻求一种形式更为自由，不需要奢华装饰，旋律优美的歌曲。对于演唱者而言，可以根据作品自由表达情感，完成二度创作的升华。巴洛克时期的声乐创作和发展，迎合了社会发展和社会礼俗的需要，既能满足严肃的宗教音乐需要，也能为广大社会公众提供娱乐与休闲的需要，如高雅音乐会、音乐沙龙、小型聚会等。蒙太韦尔蒂、巴赫等著名音乐家为教堂、宫廷、剧院和家庭音乐会等谱过曲。总而言之，巴洛克时期的独唱音乐呈现出以下几个特征：
　　一是地域化和民族化特征明显。意大利的歌剧艺术发展走在了欧洲的前列。意大利语所具备的语言和声乐意义上的发声优势，造就了意大利声乐发展的一枝独秀。意大利的声乐发展并不是单线的，而是出现多元化的发展方向，其国内产生了不同的音乐流派。意大利作曲家将声乐技巧、半音化和声等融于一身，体现出意大利的风格。1607年，蒙太韦尔蒂创作出《奥菲欧》歌剧，该剧在艺术表现上力求实现一种表达自由的戏剧风格。此外，作为威尼斯乐派代表人物的他还写过大量的牧歌歌剧作品，在创作上，他在16世纪的无伴奏牧歌的基础上创造出一种新型牧歌形式，即将器乐和伴奏融入其中，增添歌词的情感表达，演唱者在演绎作品时，要认真探究作品的内涵，领会作品所运用转调以及不协和和弦的技法所蕴含的情感表达，还包括对歌词的领域。法兰西，作为一个骄傲而又自信的民族，其音乐艺术的发展别具一格，从民族情感上，法兰西抵触意大利风格所带来的影响，尽可能挖掘本民族文化，打造法兰西民族音乐风格。吕利作为法兰西在巴洛克时期的著名作曲家，他在古典悲剧、宫廷小调和芭蕾舞的基础上，融合法国传统艺术元素，打造出法国版的歌剧。这种歌剧融多种表现形式于一身，其作品的旋律包含古典悲剧的特点，与宣叙调与咏叹调存在微小差别，比意大利风格的作品旋律更为优美，这一点上与法语和意大利语的语言差别有关，故法语的音乐作品发音清晰，高音准确，与朗诵性紧密结合，这些特点对演奏者的要求不如意大利风格的作品要求高，更多的是以表演场面的感染力吸引人。
　　英国的声乐艺术与意大利和法国相比较较为逊色。在巴洛克时期，英国的声乐演唱风格与意法两国亦大相径庭，更类似于人们的说话。巴洛克时期，铂赛尔是英国声乐作曲家的代表人物，他根据英语的语言特征创作出速度、节奏、旋律、重音等符合英国人习惯的艺术作品。虽然其作品类似于说话，但是通过这一风格的表演形式，可以完美展现歌词和情感宣泄所欲实现的目的。要求演唱者认真处理好宽泛的跳跃和特殊的顿音等情形，才能实现作品的意境。
　　二是装饰音演唱和即兴演唱的风格特点。巴洛克时期的艺术风格特点，突出体现在装饰音和即兴演唱两个方向。朱里奥卡奇尼在其1602年发表的《新音乐》一书中阐述了声乐艺术中的装饰音及其表演，他认为表演者必须把握好音准，不允许有滑音，并从多个方面处理好音色问题。作为一个表演者，区分不同的音色，以及不同音色所代表不同类型的情感，这是基本的素质要求。此外，演唱者还应该掌握在何种情况下演唱装饰音和即兴花腔的部分，只有这样才能算是一个成熟的表演者。掌握装饰音和即兴花腔唱段的方法，简单而言就是在咏叹调终止或者半终止的地方，尤其在咏叹调反复出现之处。即兴演唱，对演唱者的素质要求较高，它是对作品演唱丰富性的一种个性表达。
　　装饰音名为装饰，即作曲家在创作作品时所作的具有某种点缀作用的音符。作为一种点缀，本身就体现了一种特性，装饰音没有特别的规定运用，其使用上，如音符细节、回音、波音、颤音都不要求精确。咏叹调的演唱是巴洛克时期最为重要的声乐表演形式之一，它要求表演者有较高的音乐理论素养，能够理解创作者的情感表达，风格特征以及熟练的声乐技巧。而装饰音乐的演唱，演唱者的水平如果达不到一定阶段是无法胜任的，只有具备精湛的技术技巧，才能较好地处理演唱中出现的各种难点，如音乐要素之间的不同之处，乐句结构，旋律线条的把握。对于那些具有宣叙的和咏叹调的双重特性歌曲，同样要求演唱者具备这些素养，只有这样才能适应舞台表演的需要。
　　03巴洛克时期声乐作品的特征
　　在巴洛克时期，声乐形式不断推陈出新，得到了较快发展。在百余年的时间里，出现多种形式的作品类型，在这些作品类型背后，都有经典的作曲家作为支撑，其作品的整体风格构成了巴洛克时期声乐作品的总特征：
　　一是歌曲从上流社会走向社会大众，迎合了平民的口味，内涵上从注重人物个性向追求华丽的演唱技巧转变。蒙太韦尔蒂（蒙特威尔第）是威尼斯歌剧乐派的奠基人，他对意大利歌剧音乐的早期发展作出了重要贡献，在他看来，歌剧音乐要为人类自身服务，要表达人类的真实情感，谱曲与歌词要协调。蒙太韦尔蒂的这些观念奠定了他作为近代意大利歌剧之父的历史地位，作为代表人物的的他，创作的作品突显戏剧性的场景以及独特的人物个性。1637年，第一座歌剧院在威尼斯拔地而起，歌剧从此走入了平民百姓的日常生活，不再是宫廷贵族的专属。随着歌剧艺术在社会上的流行，蒙太韦尔蒂的弟子切斯蒂和卡瓦利为了迎合大众的口味，创作出许多人物众多、情节复杂、规模宏大、富丽堂皇的舞台歌剧。这一时期，音乐风格也开始发生转变，逐渐向华丽的演唱技术技巧过渡，咏叹调最后成了一种精湛的形式，与宣叙调明显分离。这种风格特征发展到17世纪的中后期，歌剧的形式越来越僵固化，演唱者更多是在卖弄演唱技术技巧，这一点在那不勒斯歌剧中表现得尤为明显。
　　忧郁、悲伤的情感是巴洛克时期音乐的特色之一，有时也会出现含羞的、腼腆的、多愁善感的一面，但是极少出现英雄主义的表现形式。作为蒙太韦尔蒂的弟子，切斯蒂并未完全继承他老师的衣钵，某种意义上他甚至走向了另外一条道路，开创了有别于他老师的音乐风格。他的《Aspettate》即是证明，这一作品比较幽默诙谐，歌词多次出现问句，但是与旋律搭配极为得当。此外，他的作品在塑造人物内心世界与情感上也颇有成就，如他在著名的《来吧，阿列多罗》、《金苹果》以及《围绕着我崇拜的人儿》等作品都注重旋律和装饰风格，作曲特征上跳音、滑音和各种装饰音的安排都很好地塑造了人物的情感。而蒙特威尔为代表的另外一些音乐家则注重创作普通人的田园生活风格作品，融入人们日常生活的各种场景，使歌剧艺术更为平民化、大众化。
　　二是英伦风格音乐艺术的意大利和法国影响。歌剧艺术虽然源自意大利，但是它对欧洲大陆其他国家的音乐产生了重大影响。作为巴洛克时期英伦著名的作曲家铂赛尔，他的作品受到意大利歌剧和法国歌剧的影响，他创作的歌曲多是诗歌形式，运用英国传统的民间曲调，很多由两个或者两个以上相互对比的乐段组成，这种英国风格的歌剧所展现的情感非常细腻，旋律和人物个性塑造得非常成功。铂赛尔的作品同样是根据英语发音特点顺势而为，符合英格兰民族特性。在铂赛尔艺术生涯的后期，其作品中出现不规则的长句和短句交错，加上低音伴奏的快速运动达到宣叙调结尾的高潮。铂赛尔开创了一种独特的声乐线条体系，运用复杂的、跳跃的、连续的音符，让旋律更为生动而有活力。他同样重视曲调与歌词的搭配，以及音乐上的修饰，他的作品有时被称为说话风格，对歌词文字表达和音节的放置极为恰当。